Sa capacité à satisfaire des commissions de grande échelle le rendit financièrement exceptionnellement riche vers la fin de sa vie. Cependant, il vivait parcimonieusement et la plupart de sa fortune fut versée à la Fondation Henry Moore, qui continue à soutenir l'éducation et la promotion artistiques.
La forme récurrente dans son oeuvre est une silhouette étendue et percée, d'abord inspirée par l'art toltèque - notamment par une sculpture maya connue sous le nom de "Chac Mool", dont il vit une reproduction en plâtre à Paris en 1925. Des versions plus récentes sont conventionnellement percées : ainsi, un bras courbé rejoint le corps par exemple. Plus tard, les versions plus abstraites sont percées directement à travers le corps afin d'explorer les formes concaves et convexes. Ces perçages plus extrêmes sont développés en parallèle aux sculptures de Barbara Hepworth. Hepworth commence par percer un torse sculpté après une lecture mal comprise d'une critique de l'une des expositions de Henry Moore.
Henry Moore est très connu pour ses bronzes abstraits monumentaux, visibles à de nombreux endroits à travers le monde. Les sujets sont habituellement des abstractions de silhouettes humaines, telles que Mère-et-Enfant (titre original: Mother-and-Child) ou Figures Étendues (titre original: Reclining Figures).
À part un flirt avec quelques représentations de "groupes familiaux" dans les années 1950, le sujet est presque toujours une silhouette féminine. De plus, les sculptures de Moore sont souvent percées ou contiennent des cavités, des excavations. Beaucoup interprètent la forme ondulée de ces silhouettes étendues comme des références au paysage et aux vallées du Yorkshire, lieu de naissance de l'artiste.
Quand la nièce de Moore lui demande pourquoi ses sculptures ont de si simples titres, il répond :
- "Tout art doit avoir un certain mystère et doit interroger le spectateur. Donner à une sculpture ou à un dessin un titre trop explicite enlève une part de ce mystère, et ainsi le spectateur se déplace vers l'objet suivant, sans faire l'effort de mesurer le sens de ce qu'il vient de voir. Tout le monde pense avoir compris, mais en fait pas vraiment, tu sais". ("All art should have a certain mystery and should make demands on the spectator. Giving a sculpture or a drawing too explicit a title takes away part of that mystery so that the spectator moves on to the next object, making no effort to ponder the meaning of what he has just seen. Everyone thinks that he or she looks but they don't really, you know").
Les premières sculptures de Moore sont centrées sur la taille directe dans laquelle la forme de la sculpture évolue à mesure que l'artiste taille dans le bloc. Dans les années 30, la transition de Moore dans le Modernisme est parallèle à celle de Barbara Hepworth. Ces deux sculpteurs, ainsi que d'autres artistes vivant à Hampstead, découvrent ainsi de nombreuses idées nouvelles. Moore fait de nombreuses esquisses et dessins préparatoires pour chacune de ses sculptures. La plupart de ces carnets de croquis ont survécu et donnent un bon aperçu de son développement et de sa méthodologie. Vers la fin des années 1940 Moore produit de plus en plus de sculptures par modelage, en travaillant les formes dans la glaise ou dans le plâtre avant de produire le travail final en bronze par la technique de la cire perdue.
Après la Seconde Guerre mondiale, les bronzes de Moore prennent leur échelle monumentale, particulièrement pour les commissions d'"art public" (comme la Silhouette au repos de 1958 située au Palais de l'UNESCO, Paris) qu'il reçoit. Pour des raisons techniques, il abandonne largement la taille directe, et emploie plusieurs assistants pour l'aider à produire ses maquettes.
Dans sa résidence à Much Hadham, Moore établit une collection d'objets naturels, de squelettes, bois flotté, galets et coquillages, pour se créer une source d'inspiration pour les formes organiques. Pour ses plus grandes oeuvres, il produit souvent un modèle réduit de moitié avant de travailler sur le moulage final et la fonte du bronze. Quelques fois un modèle en plâtre de taille réelle est construit, permettant à Moore d'affiner la forme finale et d'ajouter quelques marques avant la fonte.
Biographie
Moore naît à Castleford (dans le West Yorkshire), septième des huit enfants de Raymond Spencer Moore et Mary Baker. Son père est ingénieur des mines, et sous-directeur de la mine de charbon Wheldale à Castleford. ( Une autre source d" information indique que son père est mineur de fond à la mine de Glasshoughton, et non pas ingénieur à Wheldale.) Autodidacte, il s'intéresse à la musique et à la littérature, et perçoit l'éducation formelle comme un itinéraire de progression.
Moore décide de devenir un sculpteur à l'âge de onze ans. Au secondaire, il est encouragé par son professeur d'art à commencer par le modelage de la glaise et par la taille du bois. Malgré leur ancienne promesse, ses parents s'opposent à ce qu'il commence une carrière de sculpteur, percevant ce métier comme trop "manuel".
En 1917, à 18 ans, Moore est désigné pour combattre dans la Première Guerre mondiale. Le plus jeune de son régiment, le Civil Service Rifles, il participe à la Bataille de Cambrai où il est gazé. Il se rétablit rapidement, et continue le reste de la guerre en tant qu'entraîneur physique. Contrairement à bon nombre de ses contemporains, l'expérience de Moore dans cette guerre n'est vraiment pas traumatisante. Il raconte ces temps passés par ces mots pour moi la guerre passa comme dans un brouillard romanesque où j'essayais d'être un héros. (citation originale:for me the war passed in a romantic haze of trying to be a hero). L'horreur de la Grande Guerre n'a pourtant pas échappé au sculpteur qui décrivit aussi celle-ci dans ces termes: "Le grand bain de sain et la douleur, l'insupportable angoisse et la perversion, les larmes et la malfaisance humaine de la guerre" (lettre à Lucie Dufty).
Après la guerre, Moore reçoit une subvention d'ancien combattant, lui permettant de continuer ses études et il devient le premier étudiant en sculpture à l'École d'Art de Leeds (The Leeds School of Arts) en 1919. Et l'école doit créer un atelier de sculpture spécialement pour lui.
Alors qu'il est à Leeds, Moore rencontre Barbara Hepworth étudiante aux Beaux-Arts, commençant ainsi une amitié qui va durer de nombreuses années. Moore a aussi la chance de découvrir la sculpture tribale Africaine, grâce à Sir Michael Sadle, le directeur de l'école de Leeds.
En 1921 Moore gagne une bourse pour étudier au Royal College of Art (RCA) à Londres, où Hepworth a étudié l'année précédente. A Londres, Moore peut approfondir sa connaissance des arts primitifs et de la sculpture, étudiant les collections ethnographiques du Victoria and Albert Museum et le British Museum.
Les premières sculptures de Moore et de Hepworth suivent le standard académique du style romantique Victorien; les sujets sont des formes naturelles, des paysages et modelages figuratifs d'animaux. Moore se sent de moins en moins à l'aise avec les idées classiques. Grâce à sa connaissance des arts primitifs et grâce à l'influence des sculpteurs tels que Brancusi, Epstein et Dobson il commence à développer un style de taille directe dans lequel les imperfections dans le matériau et les traces de fabrication sont incorporées dans l'oeuvre terminée. En travaillant ainsi, il doit se battre contre ses professeurs qui n'apprécient guère cette approche moderne. Au cours d'un exercice proposé par Derwent Wood, le professeur de sculpture du RCA, Moore est supposé reproduire un relief en marbre de Rosseli La Vierge et l'Enfant, en modelant le relief dans du plâtre puis le reproduire grâce à la technique mécanique de la "mise aux points". Au lieu de cela, Moore taille le relief directement, et marque même la surface pour simuler les marques de piqûres qu'aurait effectuées la machine de pointage.
Cependant, en 1924, Moore gagne un stage de 6 mois qu'il passe en Italie du nord à étudier les grands travaux de Michel-Ange, Giotto et plusieurs autres Grands Maîtres. Puisque Moore a déjà commencé à s'écarter de la tradition classique, il n'est pas certain qu'il tire beaucoup d'influence de ce voyage, pourtant, plus tard, souvent, il affirme avoir été influencé par Michel-Ange.
Cette période inventive et productive est interrompue par la Seconde Guerre mondiale. L'École d'Art de Chelsea est transférée à Northampton, et Moore refuse son poste d'enseignant. Pendant la guerre, Moore est appelé à être artiste de guerre, produisant notamment de puissants dessins de Londoniens dormant dans le métro londonien à l'abri des bombardements. Ces dessins aident grandement la réputation internationale de Moore, en particulier aux États-Unis.
Leur maison de Hampstead ayant été touchée par un éclat d'obus, Moore et sa femme Irina quittent Londres pour s'installer dans le domaine de Hoglands, à Perry Green près de Much Hadham, Hertfordshire. Ce lieu devient la résidence définitive et l'atelier d'Henry Moore. Le sculpteur, qui deviendra par la suite très riche, n'éprouvera pourtant jamais le besoin de déménager dans une maison plus grande et, à part l'acquisition de quelques dépendances et ateliers, la maison changera assez peu.
Après la guerre et après quelques tentatives infructueuses, Irina donne naissance à leur fille, Mary le 7 mars 1946. Cet enfant reçoit le nom de la mère de Moore, qui meurt deux ans plus tôt. Ces deux évènements associés, la perte de sa mère et la naissance de sa fille, laissent Moore méditer sur le thème de la famille, ce qu'il exprime dans son oeuvre en produisant plusieurs compositions Mère-et-Enfant (Mother-and-Child). Les sculptures Figures étendues restent elles aussi très populaires (Reclining Figures). La même année, Moore fait sa première visite aux États-Unis, pour une exposition rétrospective sur son oeuvre au Musée d'Art Moderne de New York. En 1948, il remporte le Prix International de Sculpture à la XXIVe Biennale de Venise.
Vers la fin de la guerre, Moore est approché par Henry Morris, sur le point de proposer une réforme de l'éducation avec le concept de l'université village. Morris a déjà engagé Walter Gropius en tant qu'architecte pour sa seconde "université village" à Impington près de Cambridge et il demande à Moore de dessiner une grande sculpture publique pour ce site. Malheureusement le Conseil du Comté ne peut se permettre la totalité du projet de Gropius et réduit la taille du projet lorsque Gropius émigre aux États-Unis. Manquant de fonds, Morris doit annuler la commande de sculpture de Moore qui ne dépasse pas le stade de la maquette. Heureusement, Moore peut réutiliser le design de cette maquette en 1950 pour une commission similaire à l'extérieur d'un lycée pour la nouvelle ville de Stevenage. Cette fois, le projet peut arriver à terme et Family Group (Groupe Familial) devient la première sculpture publique en bronze et de grande échelle de Moore.
Dans les années 1950, Moore commence à recevoir des commissions de plus en plus importantes, dont celle du bâtiment de l'UNESCO à Paris en 1957. Avec de plus en plus d'oeuvres publiques à produire, la taille des sculptures de Moore augmente significativement et il se met à employer quelques assistants pour l'aider à Much Hadham, dont Anthony Caro par exemple.
Source Wikipédia
http://fr.wikipedia.org/wiki/Henry_Moore
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